Estaciones de Isadora

Una partitura sobre su vida y su arte en la que la palabra, danza y música caminasen de la mano.

«Nunca quise hacer un montaje biográfico sobre Isadora Duncan. Tampoco quería una dramaturgia estructurada de una forma lineal; así pues pedí a Hugo Pérez de la Pica, artista polifacético donde los haya, que me acompañase en esta aventura en permanente transformación. Y escribió Estaciones de Isadora, un texto poético. Esa era la clave».

Beatriz Argüello.

Imaginemos dos estadios en nosotros: la palabra propia del teatro nace de una necesidad de expresión verbal, de una idea; esa idea viene de un pensamiento estructurado en un idioma concreto que condiciona una manera de locución aprendida. Bien, el movimiento surge de un impulso controlado o incontrolado; no contiene la estructura mental de una frase, no viaja por la parte analítica de nuestro cerebro. Es “más libre” por llamarlo de alguna manera. Está más vinculado a lo intuitivo.

Isadora apelaba al coro trágico griego como el nacimiento de la danza.

Isadora fue innovadora y arriesgada en su tiempo y abrió las puertas al desarrollo de la danza moderna y contemporánea. Quiero que sea un canto a lo femenino mostrando la belleza a través de la esperanza, el dolor, la soledad, la voluntad y la fuerza que llevará al espectador a un sinfín de estados no racionales con una gran carga emotiva.

Estaciones de Isidora nació para hacer de la palabra una expresión corporal elocuente. Hugo, gran conocedor de la bailarina, ha sabido reflejar en palabras un viaje interior de muerte y resurrección lleno de amor y fortaleza. Al poner en boca el texto, nace la danza en el cuerpo de una manera natural. Poesía, danza y música se dan permiso uno a otro en este montaje en el que el espectador no tendrá más remedio que dejarse llevar.

Puestos a intentar un punto de vista inédito
por siempre inspirada e inspiradora, Isadora
Es poesía al servicio del teatro,
Es el teatro cobijado por la danza,
es la danza condecorando a la pantomima,
es la pantomima descomponiendo la palabra,
es la palabra a tenor de la estética,
es la estética tintada de tragedia,
es una tragedia con la necesidad de una actriz,
es una actriz a la vuelta de un naufragio,
es un naufragio dentro de una bailarina,
es una bailarina en las redes de un poeta,
Es un poeta trasmutado en visionaria…


Hugo Pérez de la Pica
.

Dirección:

  • Beatriz Argüello.
  • Hugo Pérez de la Pica.

Intérprete:

  • Beatriz Argüello.

Piano:

  • Mikhail Stuyonov.

Coreografía:

  • Helena Berrozpe, con la colaboración de Daniel Abreu.

Espacio escénico:

  • Beatriz Argüello.
  • Hugo Pérez de la Pica.

Diseño de vestuario:

  • Rosa García Andújar.

Diseño de Iluminación:

  • Miguel Pérez Muñoz.

Selección musical y espacio sonoro:

  • Mikhail Studyonov.

Fotografía:

  • Hugo Pérez de la Pica.
  • Miguel J.Berrocal.

Ayudantes de Vestuario:

  • Tesa de Miguel.
  • Lucía Celis.

Ayudante de Dirección:

  • Fran Guinot.

Ayudante de producción:

  • Juan Carlos Muñoz.

Construcción de Escenografía:

  • Mambo Decorados.

Realización de vestuario:

  • Rosa García Andújar.
  • Tesa de Miguel.
  • Lucía Celis.

Dirección de Producción:

  • Rosa Fernández Cruz.

Un espectáculo producido por Coart+e Producciones.

Basado en la idea original de Beatriz Argüello.

Con la colaboración de la Compañía Nacional de Danza, Centro Danza Canal y la Asociación Bislumbres.


Agradecimientos:

  • José Luis Argüello.
  • Alicia Blas.
  • David García.
  • Emilio Conti.
  • Teatro Tribueñe.
  • Alberto Luna.
  • Pilar Rodríguez.
  • Irina Kouberskaya.

Pánico

Es una comedia que basa su reflexión en las dos emociones más potentes que existen: el amor y el miedo.

Se trata de tres personajes masculinos que, por diversas circunstancias, se ven forzados a crecer interiormente, la vida les ha obligado a detenerse y reflexionar, a mirarse un poquito por dentro y a dar un paso renovador.

El miedo surge de ese vértigo que produce cualquier situación de cambio o de ruptura. En la función ese miedo se va contagiando de un personaje a otro, por eso el miedo se transforma en Pánico.

El detonante del conflicto es el amor, cada uno de los personajes se desenvuelve de un modo diferente en los asuntos amorosos, pero todos tienen en común una enorme crisis afectiva. Si a esta crisis le sumamos la crisis de la edad, la existencial, la de identidad, la económica, etc. tenemos una comedia que es como una olla a presión que va cogiendo ritmo, aliento, crítica y sustancia social.

En Pánico el humor nace de la inestabilidad emocional de los personajes, que van exhibiendo sus neurosis a medida que se suceden las disparatadas situaciones que plantea la trama. Es una comedia que va adquiriendo tientes oscuros conforme va avanzando.

Leo llega de madrugada y borracho al piso de Max. Ambos son amigos de la infancia y pasa la noche en casa de su amigo. A la mañana siguiente, es cuando, avergonzado y desesperado, le pide un favor: que sea su terapeuta durante una semana, justo el tiempo que le ha dado su pareja para encontrar una respuesta a su presunta crisis.

La llegada de Leo trastoca sus planes y provoca enfrentamientos entre los dos. Y además hay un tercero en discordia: Joni, hermano de Max y amigo también de Leo, que es presentador de un programa televisivo, y que padece un enorme problema de concentración y egoísmo.

Ninguno quiere darse cuenta de sus verdaderos problemas, ninguno sabe cómo ayudarse entre sí, ninguno quiero afrontar sus miserias. En Pánico, los tres amigos llegarán a situaciones inverosímiles y cómicas con el fin de sacar adelante sus caóticas vidas.

Reparto:

  • Guillermo Ortega.
  • Felipe Andrés.
  • Mon Ceballos.

Autor:

  • Mika Myllyaho.

Versión:

  • Fernando J. López.

Dirección:

  • Quino Falero.

Escenografía:

  • Arturo Martín Burgos.

Iluminación:

  • Pilar Velasco.

Audiovisuales:

  • Jesús Rivera.

Espacio sonoro:

  • David Galindo.

Vestuario:

  • Guadalupe Valero.

Fotografía y diseño gráfico:

  • Javier Naval.

Diseño web:

  • Paula Guida.

Ayudante de dirección:

  • Enrique Corrales.

Dirección de producción:

  • Rosa Fernández Cruz.

Coproducción:

  • COART+E Producciones.
  • Dos Palmas Producciones.

Productora asociada:

  • Dionisia Pérez.

Noche de Reyes

Es un espectáculo completamente accesible, en todas sus funciones, para personas con discapacidad sensorial -sordos y ciegos-.

Al ponernos a trabajar en Noche de reyes, y con el objetivo de un “teatro para todos” nos dimos cuenta de que había un gran número de personas que podían acceder a nuestro espectáculo si además eliminábamos las barreras. 


Decidimos entonces ponernos a trabajar en conseguir la accesibilidad completa del espectáculo. Buscábamos que cualquier día, cualquier persona pudiera ver la función, y empezamos a trabajar con Aptent, Be Accesible!, una de las empresas más importante en accesibilidad teatral.

David Pizarro, nuestro escenógrafo, ideó un sistema de pantallas y proyecciones que forman parte del espacio escénico, tanto con subtitulado como con lengua de signos, de tal forma que no es necesario apartar la mirada del escenario para seguirlas.

En cuanto al público con discapacidad visual, trabajamos en una cuidada audiodescripición de todos los elementos necesarios para la comprensión de la obra. Además, incluimos el bucle magnético, que permite también a personas con audición reducida una escucha directa y clara del espectáculo.

Decidimos que Noche de Reyes se dirigiera a todas las edades, y específico para la adolescencia y juventud. En este sentido, se consiguen dos objetivos: llegar a un público más amplio, por un lado, y por otro, sensibilizar al público general y conseguir que consideren los elementos externos de la accesibilidad como un elemento más de la escenografía.

Trabajar para jóvenes siempre parece un reto difícil, pero es muy satisfactorio. Una de nuestras premisas, el “teatro para todos” es lo que da forma a Noche de reyes. Teatro para chavales, teatro para jóvenes, teatro también, por qué no, para
adultos, teatro para personas que habitualmente no pueden disfrutarlo.

Noche de reyes es nuestro primer espectáculo como compañía.

Shakespeare, como siempre, nos dio las respuestas a todas las preguntas: los personajes de Sir Andrew, Sir Toby y María podían funcionar perfectamente como un payaso blanco y dos augustos, y de ahí surgió la idea: ¿por qué no situar la acción en un circo, y poder así generar una mayor espectacularidad en la puesta en escena?

Esta función se convertía, sin perder nada de su comicidad original, en un espacio diferente y llamativo que seguía hablando de conflictos universales: el amor, la confusión entre lo que es y no es, la mentira, la amistad…Shakespeare siempre nos sitúa en sus comedias ante nosotros mismos, para mostrarnos nuestros defectos y nuestros afectos.

La teatralidad y la comicidad de Noche de reyes son el hilo conductor real de la función, y el circo sirve como excusa para volver a aquellos tiempos en los que el público iba al teatro a divertirse mientras disfrutaba de la poesía y la estructura perfectas del genio inglés.

La evocación de los payasos como símbolos del sentido más cómico de nuestra memoria. De esta forma, el amor puede ser visto como un sufrimiento necesario, o como una pista en la que nadie es lo que aparenta, en la que las pasiones se confunden y nos podemos hasta preguntar quiénes somos.

Nosotros preferimos lo segundo.
Disfruten.

Elenco:
Viola/Feste: Eva Boucherite.
Olivia/Fabián/Forzudo: Ada Fernández.
– María/Antonio: Rosa Clara García.
– Sir Andrew/Sebastián: Borja Floü.
– Sir Toby/Valentino: Chete Guzmán.
– Orsino/Malvolio: Nacho Vera.

Ficha artística:
Diseño de escenografía y vestuario: David Pizarro.
Diseño de iluminación: David P. Arnedo / Kiko García.
Traducción y dramaturgia: Diana I. Luque.
Composición musical y arreglos: Pedro Esparza.
Asesora artes circenses: Tina Lorenzi.
– Diseño Gráfico: Estudio Crudo.
Vídeo: David Orrico.
Fotografía: Ojo de Mosca Fotógrafos, Wolser Press.
Diseño de comunicación: Chabe Rollán.
Diseño de producción: Isabel Romero de León.
Dirección: Rosa Fernández Cruz.

Ficha técnica:
Ayte. de dirección: Daniela Dardanelli.
Dirección técnica: David P. Arnedo.
– Técnico de luces y sonido: Kiko García. – Construcción de decorado: Altamira.
Confección de vestuario: Patrocinio Santos / Nieves Jiménez / Teresa Martín / Mercedes Galera.
Diseño dossier pedagógico: María Moreno.

Accesibilidad:
– Coordinación de accesibilidad: Aptent. Be Accessible!
Dirección técnica: Diego Carrero Figueroa / Javier Jiménez Dorado.
Subtitulado: Marta Plaza Fernández / Margarita Mas Díaz.
Audiodescripción: Rocío Méndez Pérez.
Equipo de interpretación en Lengua de Signos: Noemara Álvarez Díaz / Lorena Herranz Romeral / Ana Agejas Fernández / Manuel Colinas Martín.
– Producción: COART+E / APTENT-TEATRO ACCESIBLE.

No me olvides, el maestro Juan Martínez que estaba allí.

Una comedia mágica, tierna y cruel, divertida y profunda, como la vida misma.

El maestro Juan Martínez que estaba allí es la historia de Juan Martínez y Sole, bailarines de flamenco que son contratados en Turquía para bailar un buen día de 1914.

Allí van a derramar su arte y, sobre todo, a escapar de la Primera Guerra Mundial que ya asoma. Recorrerán cabarets de media Europa hasta acabar en Rusia donde creerán, ilusamente, estar a salvo del conflicto armado. Allí se ven atrapados por la Revolución de Octubre y asistirán, de primera mano, a la muerte del Zar.

Envueltos en revoluciones que no son las suyas, Sole y Juan irán de un lado para otro, cargados sólo con su arte y el deseo de sobrevivir. Disfrazados irán trabajando para unos y otros por un mendrugo de pan.

Dos artistas, dos personas, pelean por vivir su propia y pequeña historia ante el monstruo que les engulle, afrontando la tragedia y el desastre sin abandonar nunca la única y ejemplar bandera del humor.

La propuesta de El maestro Juan Martínez que estaba allí es una adaptación de la novela de Manuel Chaves Nogales. Un circo mágico por el que desfilarán los personajes para los que actuaron Juan y Sole y todo el mundo conoce.

Una puesta en escena muy cuidada, sugerente, y que evoca de forma onírica cabarets, pensiones de mala muerte, palacios imperiales, estaciones de tren y circos, a ritmo de flamenco.

Ocho actores dando vida a más de 50 personajes en un espectáculo de ritmo trepidante y gran originalidad.

El maestro Juan Martínez que estaba allí, o No me olvides es uno de los mayores éxitos editoriales de los últimos tiempos, un autor español cuya vida y obra fueron reivindicadas a lo grande en un documental y que ahora
también es trasladado a la escena.

Dramaturgia y dirección:

  • Alfonso Lara.

Reparto:

  • Alfonso Lara.
  • Pepa Rus.
  • Micaela Quesada.
  • Juan Carlos Arráez.
  • Rosa Fernández Cruz.
  • Eva Boucherite.
  • Piñaki Gómez.
  • Pablo Rivero Madrigán.
  • Pepe Lorente.

Diseño de escenografía:

  • Óscar Camín.

Diseño de iluminación:

  • Felipe Ramos.

Diseño de vestuario:

  • Lupe Valero.

Diseño audiovisual:

  • Jesús Rivera.

Diseño espacio sonoro:

  • José Luis Toral.

Fotografía:

  • Jesús Rivera.

Ayudante de dirección:

  • Sara Moyano.

Ayudante de vestuario:

  • Carlos Pinilla.

Prensa:

  • María Díaz.

Construcción de escenografía:

  • Mambo Decorados.

Dirección de producción:

  • Isabel Romero de León.

Diseño de producción:

  • Rosa Fernández Cruz.

Producción:

  • COART+E.
  • El maestro que estaba allí AIE.
  • Mambo Decorados.

Colaboran:

  • Sol de Levante.
  • Mundosol.

Agradecimientos:

  • Isabel Chavez.
  • Antony Jones.
  • Juan Antonio Molina.
  • Luis Felipe Torrente.

El Principito / The Little Prince

El principito es un clásico universal: todos lo conocemos, lo hemos leído y lo hemos disfrutado.

Es uno de esos pocos textos que podemos degustar siendo niños o adultos, porque nos tocará el corazón por las mismas razones, o quizá por razones diferentes.

Nosotros hemos querido iniciar a los más pequeños en esta maravillosa historia a través de un cuento visual.

El Principito habla de un viaje, habla de la amistad, de la necesidad que tenemos de los otros. De todo lo bueno que tiene ser diferente. Pero sobre todo, El Principito habla de la infancia como un valor que jamás deberíamos perder: la libertad del ser humano para elegir su propio camino, aún equivocándose, y , sobre todo, de la inocencia.

Utilizamos un lenguaje que los niños pueden entender, ya que nos queremos dirigir a ellos y a todos los que tienen aún vivo al niño que llevan dentro. Queremos decirles que la vida es un viaje del que hay que disfrutar. Un viaje en el que seguro encontramos compañeros que van a estar con nosotros y que harán nuestro viaje más fácil.

El espacio es un lugar mágico, lleno de estrellas que incluso se extienden al patio de butacas. La estrella como símbolo de la luz y de la belleza.

El espectáculo es un juego visual. El vestuario es llamativo y colorido y la interpretación de los actores va en esa línea de magia, con un delicado trabajo gestual que apoye la creación de cada personaje.

Decidimos que queríamos, además, acercarnos a los espectadores de una forma especial. Para ello elegimos el inglés. Dentro de los dibujos proyectados, además, aparecerán palabras que vienen a afianzar el reconocimiento fonético de la lengua inglesa.

Esta versión nuestra de El Principito tiene una propuesta educativa de aprender este idioma de una forma lúdica, porque ¿Qué mejor forma de aprender, que ir al teatro?

Reparto:

  • Silvia Herráiz.
  • Juan Carlos Muñoz.

Adaptación y dramaturgia:

  • Diana I. Luque.

Dirección:

  • Rosa Fernández Cruz.

Diseño de escenografía y vestuario:

  • Paula Castellano.

Diseño de iluminación:

  • Juan Ripoll.

Diseño Audiovisual:

  • Daniel García.

Fotografía:

  • Ernesto Serrano.

Diseño gráfico:

  • José Ponce de León.

Vídeo:

  • 4EnRaya Producciones.

Música:

  • Cristina López Ortega.

Construcción de escenografía:

  • Mambo Decorados.

Realización de vestuario:

  • DosPespuntes.

Técnico de luces y audiovisual:

  • Ana López.
  • Borja Centeno.

Producción:

  • COART+E Producciones.
  • Jesús Soriano.
  • Ada Fernández.
  • Rafa Molina.

El Peñón es nuestro

El peñón es nuestro se trata de una parodia de la política actual que no dejará indiferente a nadie.

En un futuro impreciso, pero no muy lejano, una España arruinada por la crisis y el desgobierno se debate entre dos malas opciones: el gobierno conservador de don Mario de la Fe y de la Paz y la alternativa también conservadora, pero dentro de un orden, del opositor Adolfo de Pérez y de la Rubia.

Mientras el pueblo soberano discute en las tabernas la idoneidad de una u otra opción – y arregla el país entre caña y caña-, el presidente don Mario, por sugerencia de su no muy fiel asistente Spaulding, toma la única decisión posible para salvar su mandato y tal vez su pellejo: invadir Gibraltar.

El valor proverbial de la tropa española, la banda de música y un sorprendente plan secreto son las principales bazas contra la superioridad militar británica.

El desenlace inesperado – en muchos sentidos- cambiará la suerte de los protagonistas y dejará España patas arriba mientras cañas, medallas y dinero negro corren por doquier.

El peñón es nuestro es una disparatada comedia que deja lugar también para la reivindicación y la crítica.

Los dos actores protagonistas interpretan a varios personajes y dan vida al Gobernante y a la Oposición que, en este caso, coinciden en la falta de sentido común. Sus disparatadas medidas, lejos de sacar al país de la crisis, lo irán sumiendo en una esperpéntica situación.

Reparto:

  • Juan Carlos Muñoz.
  • Juan Carlos Arráez.
  • Alex O´Dogherty (Colaboración especial).

Dramaturgia:

  • José Manuel Lechado.

Dirección:

  • Rosa Fernández Cruz.

Diseño de escenografía y vestuario:

  • David Pizarro.

Diseño de iluminación:

  • Paula Castellano.

Proyecciones:

  • Daniel García Rodriguez.

Diseño gráfico:

  • José Ponce de León.

Ayudante de dirección:

  • Daniela Dardanelli.

Ayudante de escenografía y vestuario:

  • Paula Castellano.

Fotografía:

  • OJOdMOSCA.

Dirección de producción y gerencia:

  • COART+E producciones.

#Malditos16

#Malditos16 emprende ese viaje hacia la identidad.

A través de las historias de Ali, Dylan, Naima y Rober, cuatro jóvenes que se conocieron en el peor momento de su vida: justo después de querer quitársela. Todos ellos intentaron suicidarse cuando rondaban los dieciséis. Y ahora, a sus veintipocos, el hospital donde estuvieron internados les propone colaborar en un taller con adolescentes en su misma situación.

Realidades que no existen porque no se nombran y que, sin embargo, todos compartimos. Y es que, aunque nos empeñemos en negarlo, aquellos #malditos16 siguen viviendo bajo el adulto que fingimos ser.

A veces necesitamos volver a los lugares donde nos rompemos. Recorrer el camino de regreso al adolescente que fuimos y mirar de frente nuestras heridas, las que se abren cuando nos vemos abocados a elegir quiénes deseamos ser.

La creación de #malditos16 se enmarca dentro del programa Escritos en la escena del Centro Dramático Nacional. Compuesta a partir del trabajo conjunto entre el autor, el director y los actores. Nace del esfuerzo colectivo para dar voz a aquellos adolescentes que han visto quebrarse su vida por diversos motivos. Este montaje posee el firme propósito de
servir de llamada de atención
tanto a sus padres y educadores como al resto de la sociedad.

Elaborada a partir de experiencias reales. En su proceso de escritura han colaborado diversos expertos en las cuestiones que se abordan a lo largo de la obra –suicidio adolescente, trastornos alimenticios, acoso escolar, violencia sexual, transexualidad…

El texto de Fernando J. López y la puesta en escena de Quino Falero persiguen estilizar esa realidad. Por medio de una propuesta no lineal quieren convertir al espectador en testigo de la evolución de los personajes. Les sitúa frente a un espejo donde pueden verse tanto en las heridas del ayer como en las cicatrices del hoy.

#Malditos16 aborda los diversos conflictos desde una óptica que evita tanto la autocensura como el morbo. Se busca un lenguaje directo y adulto, no edulcorado ni tampoco truculento, poniendo de relieve la dificultad de cualquier adolescente para hallar su propia identidad. A la vez que se subrayan aquellos rasgos de la adolescencia: la vehemencia, la rebeldía, la energía. Todo aquello que la convierten en un momento esencial en nuestra vida.

#Malditos16 posee un indudable valor educativo.

Se abordan temas en la función que guardan relación directa con el mundo adolescente del siglo XXI y son del interés tanto de alumnos como de padres y profesores.

Engancha con facilidad con el público de tercero de la ESO en adelante, ya que se plantea una serie de personajes muy próximos a su realidad.

Por otro lado, el mundo adulto –familiar y escolar- puede encontrar en esta función un modo de plantear muchos de los espinosos temas y conflictos. Con ese afán de prevenir y de romper el estigma del tabú de un problema que, en España, es la segunda causa de muerte entre adolescentes, nació nuestra función.

Dramaturgia:

  • Fernando J. López.

Dirección:

  • Quino Falero.

Escenografía:

  • Arturo Martín Burgos.

Vestuario:

  • Rebeca Sanz.

Ilumicación:

  • Juan Ripoll.

Espacio Sonoro:

  • Mariano Marín.

Ayudante de dirección y entrenamiento corporal:

  • Eva Egido.

Fotografía:

  • MarcosGpunto.

Diseño gráfico y cartelería:

  • Javier Naval.

Asesoría y Documentación:

  • Hugo Alonso (Transexualidad e igualdad)
  • Teresa Pacheco (Suicidio y prevención)
  • Borja Rodríguez (Violencia y sexualidad)
  • Sandra Santos (Adolescencia e identidad)
  • María Toro (Suicidio y primeros auxilios)

Producción:

  • Centro Dramático Nacional (CDN).
  • COART+E Producciones.

Reparto:

  • Andrea Dueso.
  • Paula Muñoz.
  • Guillermo de los Santos.
  • David Tortosa.
  • Juan de Vera.
  • Rocío Vidal.

#Eufrasia, una actriz de comedias

#Eufrasia es la historia real de Catalina Hernández, una actriz sevillana que vivió por y para el teatro en el Siglo de Oro. Logró triunfar sobre las tablas de los más grandes corrales de comedias y alcanzó la fama con su propia compañía.

Fue alabada, envidiada, deseada, odiada, acusada de asesinato y juzgada por la Inquisición. Su historia había quedado olvidada, perdida entre las crónicas de la época, hasta ahora.

Este espectáculo quiere ser un homenaje a todas las mujeres que han sido durante siglos protagonistas de nuestro teatro, y que durante tanto tiempo han sido ignoradas.

Toda esta historia de enredos, misterios y truculencias me pudo.

Me pudo la curiosidad y empecé a investigar. Había huido con una compañía de comediantes para dejar atrás a un maltratador. Las crónicas dicen que había pedido a un antiguo amante que matara a su marido y que creyéndose libre, se había vuelto a casar. Pero al parecer, este primer marido había reaparecido muchos años después, tras verla actuar en un corral de comedias de Madrid. ¿Pero seguía vivo? ¿De verdad había pedido a alguien que le matara? Y si así había sido, ¿quién era el hombre que había certificado su muerte y por qué había mentido? Había demasiadas incógnitas.

Hace un año estaba en la búsqueda de un texto para dirigir mi próximo espectáculo. Por casualidad, cayó en mis manos #Eufrasia, escrito por Borja Centeno, alumno en la RESAD.

Me pareció un texto brillante, y una propuesta original que aunaba teatro barroco con teatro contemporáneo: una propuesta de un autor joven con una estructura de comedia del Siglo de Oro. Me pareció un primer paso ideal para crear.

En nuestra propuesta, contemporaneidad y teatro barroco también se funden: una estética con la sencillez escenográfica del corral de comedias y la expresividad de la técnica actoral.

La historia de Catalina, o #Eufrasia, nos sirve como excusa para narrarnos a nosotros mismos, a nuestra sociedad. Personas que viven bordeando los límites de lo «políticamente correcto» y lo socialmente aceptable, nos muestran que pasan los siglos, pero en el fondo, las cosas cambian muy poco.

Con #Eufrasia, queremos introducir al espectador en un corral de comedias del siglo XXI.

Para mi, además, es un orgullo rodearme de jóvenes actores y actrices recién egresados de la RESAD, que junto con el equipo.

Rosa Fernández Cruz.

Equipo Artístico

Elenco:

  • Alba López.
  • Violeta Marchena.
  • Isabel Romero de León.
  • Natxo Lapieza.
  • Javier Martín Hernández.
  • Santi Pozo.

Escenografía y vestuario:

  • Rebeca Padial.

Iluminación:

  • Borja Centeno.

Coreografía:

  • Eva Boucherite.

Música:

  • Aurelio Estébanez.
  • Gabriel Peso.

Producción:

  • Nuria Gil.

Ayudante de dirección:

  • Borja Centeno.
  • Violeta Nēmec.

Diseño de producción:

COART+E Producciones.

Dramaturgia:

  • Borja Centeno.

Dirección:

  • Rosa Fernández Cruz.

Cuidados Intensivos

Cuidados intensivos es una comedia, y también es un drama. Porque es un trozo de la vida de tres mujeres que se cuidan y se acompañan, que se quieren. Tres hermanas. Tres amigas. Una familia.

Mar, Sol y Luz son tres hermanas que se presentan ante nosotros con el corazón en la mano y unas intensas ganas de vivir. Entre risas, llantos, sentimientos, sexo, vida y muerte, la historia de estas mujeres que trabajan en el mismo hospital va a pasar delante de nuestros ojos.

Un viaje que va de atrás adelante y otra vez de vuelta. Un viaje en el que nada acaba como empieza- la situación laboral, el estado civil, la tecnología, la propia mentalidad- y en el que encontrarán personas que van, que vienen y que se quedan. Un viaje, en definitiva, en el que todo cambia; salvo dos cosas: la sala de descanso de la Unidad de Cuidados Intensivos en la que las hermanas se reúnen, y, sobre todo, el cariño que se tienen las unas a las otras.

«Cuando me siento por primera vez con Yolanda García Serrano y Laura León y me hablan de «Cuidados intensivos», ponen en mis manos una comedia conmovedora, donde la risa limpia, el drama une y la esencia femenina no excluye y sé que es la obra que están buscando estas tres amigas y actrices: la historia de tres hermanas que caminan juntas a través de su vida. También estoy convencida de que el público va a disfrutar de esta aventura, de que se va a reír y se va a emocionar», carta de la directora, Blanca Oteyza.

Ficha artística y técnica:

  • Reparto: Ángeles Martín, Blanca Oteyza y Paloma Montero.
  • Dirección: Blanca Oteyza.
  • Dramaturgia: Yolanda García Serrano y Laura León.
  • Diseño de escenografía y vestuario: Pier Paolo Álvaro y Roger Portal.
  • Diseño de iluminación: Alejandro Pintado Torres.
  • Música original: Miguel Barón.
  • Fotografías y diseño gráfico: Javier Mantrana.
  • Ayudante de dirección: Rosa Fernández Cruz (COART+E).
  • Diseño Dossier: TamTam Comunicación.
  • Prensa y Comunicación: Transversal Comunicación.
  • Redes sociales: Clara Galán.
  • Diseño y dirección de producción: Rosa Fernández Cruz (COART+E).
  • Jefatura de producción: Isabel Romero de León (COART+E).

Una producción de: COART+E, Teatros Luchana, Blanca Oteyza, Paloma Montero, Jerónimo de Miguel

Payaso! El musical de sus sueños

Payaso! Es un espectáculo musical donde, a modo de falso documental, se desgrana número a número, la historia de éxitos y fracasos de este entrañable personaje desde su nacimiento hasta su madurez.

Este espectáculo cuenta en primera persona y en clave de humor, la biografía de un payaso que, por miedo al qué dirán, intentó ser otra cosa, porque encontrar nuestro lugar en el mundo no es tarea fácil. En el mejor de los casos, no sabemos lo que queremos. Y en el peor, sabemos lo que queremos pero no nos atrevemos a ir a por ello.

Daniel (Alberto Frías), payaso de nacimiento y artista por elección, quiso huir de su destino, hasta finalmente entender que su felicidad estaba detrás de una nariz.

Payaso! aborda desde el humor, el difícil, pero necesario camino hacia la vocación.

Con Ernest Fuster al piano, la dirección musical de José Masegosa y la dirección general de Zenón Recalde.

El clown encierra lo más bello y cómico del alma humana. Payaso! nos hace reír, sentir y reflexionar acerca de su visión en el mundo. Aprendemos a utilizar esta mágica palabra: PAYASO como un auténtico regalo, como un alago.

Ambos actores cantan en directo. Realizan elegante e hilarantes pantomimas clásicas y dan vida a los objetos. Payaso! es un espectáculo que nos invita a viajar por un mundo onírico, surrealista y delirante, donde todo puede ocurrir. Sobre todo la risa.

Equipo artístico:

  • Dirección y dramaturgia: Zenón Recalde.
  • Dirección musical: José Masegosa.
  • Intérpretes: Alberto Frías y Ernest Fuster.

Equipo técnico:

  • Producción: COART+E y Show Prime.
  • Distribuidora: COART+E.
  • Escenografía: Mónica Boromello.
  • Espacio lumínico: Juanjo Llorens.
  • Vestuario: Gabriela Salaberri.